Суми-э представляет собой японскую интерпритацию китайской техники живописи тушью. Выразительность работ суми-э достигается благодаря максимальной лаконичности. Каждый мазок кисти очень экспрессивен и выразителен. В отличие от западных техник, художник не пишет конкретный предмет, он изображает образ, суть этого предмета. При этом работы в технике суми-э лишены чрезмерной детализации и предоставляют зрителю простор для фантазии.

Искусство живописи суми-э возникло в Китае во времена династии Сун. В Японию оно пришло в середине XIV века. Слово суми-э является соединением двух японских слов: "тушь" (суми) и "живопись" (э). Суми -твердая форма древесного угля или производимая из сажи китайская тушь, которая hастирается в тушечнице, разбавляется водой и наносится кистью на бумагу или шелк.
Таким образом, суми-э - это вид монохромной живописи, похожей на акварель.

Отличительной чертой живописи суми-э является присутствие в ней только черного цвета и широкой гаммы серых цветов черной туши, растворенной в воде. Живопись суми-э монохромна, однако, Суми-э иногда допускает использование других цветов,но исключительно в качестве дополнительных – тонких и прозрачных – мазков, которые всегда остаются подчиненными основной линии, исполненной тушью.

Ориентир на китайские образцы всегда был свойственен японской монохромной живописи. Однако удивительная способность японцев к виртуозной интерпретации заимствований приводила к тому, что образцы, приходившие с материка, постепенно преобразовывались в духе отечественных художественных тенденций. В отличие от Китая, где живопись тушью вплоть до современности развивалась в едином русле общих законов и традиций, в Японии к ней обращались мастера разных школ и направлений, сумевшие существенно расширить художественный диапазон и арсенал выразительных средств суйбокуга. Так, в школах Кано (возникла в XV в.) и Сотацу-Корина (XVII в.), развивавших приемы национальной живописи ямато-э (возникла в Х в.), эффектно использованы декоративные возможности тушевого пятна и линии (свобода и широта мазка, композиционное использование пустого пространства и т.д.). Более того, Таварая Сотацу создал новую тушевую технику — "тарасикоми", заключающуюся в том, что поверх непросохшей туши накладывается еще слой, благодаря чему создается декоративно выразительная "переливчатая" живописная фактура.
Великолепные монохромные произведения оставили мастера разных живописных школ — от камерных образцов на свитках и альбомных листах до масштабных декоративных стенных росписей. Можно сказать, что с монохромной живописью так или иначе связана вся история японской живописи, начиная с конца XIII в.

Природа живописи тушью отличается подвижностью, текучестью, ритмичностью, и незаполненное пространство, как эхо, отзывается на одухотворенность линий, пятен, размывов, дымки, давая возможность ощутить "дыхание" вселенской Пустоты, из которой, как говорили древние, все приходит и в которую все уходит.
В зрелых монохромных произведениях достигается не только гармоничное единство безупречной художественной формы и философского осмысления, но и особое эмоциональное звучание, которое создается самой магией тушевой техники, передающей в линиях, штрихах, пятнах и размывах "дыхание вечности" и отражение личности художника.

Четыре благородных:
Цветущая слива, дикая орхидея, бамбук и хризантема – традиционные сюжеты восточной живописи тушью. Их называют «Четыре благородных», они символизируют времена года и благородные качества характера. Слива ассоциируется с зимой, силой и стойкостью, когда хрупкие цветы распускаются в зимние холода. Орхидея символизирует весну, благочестие, изящество и совершенство. Бамбук – лето, преданность, силу и гибкость, бамбук гнется, но не ломается даже под сильным ветром. Хризантема означает осень, ученость, отдохновение, хризантема цветет даже поздней осенью, вопреки холодам.